La Mémoire des Marques : Quand la Publicité Vintage Devient de l’Art Contemporain

Découvrez la nouvelle série artistique de Sergio Aranda, inspirée des marques emblématiques, des anciennes enseignes publicitaires, des textures urbaines et de la beauté du temps qui passe.

Certaines images font partie de notre vie bien avant que nous apprenions à apprécier l’art.

Nous les croisons dans les vitrines, dans les rues, dans les magazines, sur les emballages et dans les publicités qui accompagnent notre quotidien. Au fil des années, certaines disparaissent, d’autres évoluent, tandis que quelques-unes deviennent de véritables icônes culturelles.

Je parle des grandes marques et de leurs logos.

ColaCao, Coca-Cola, Chupa Chups, Levi’s, Tiffany & Co., Kodak, Pepsi, Fanta, Nike, Rolex, et bien d’autres.

Chacune possède son histoire, sa typographie, ses couleurs et son identité visuelle. Certains logos sont si profondément ancrés dans notre mémoire collective que nous les reconnaissons immédiatement, même lorsqu’il n’en reste qu’un fragment.

Mais ce qui m’intéresse le plus, ce n’est pas la marque en tant que produit commercial. C’est tout ce qu’elle représente dans nos souvenirs.

Un logo familier peut nous ramener à notre enfance, à un voyage, à une époque particulière ou à un lieu que nous pensions avoir oublié.

Et c’est précisément cette extraordinaire capacité à réveiller les souvenirs qui m’a inspiré cette nouvelle collection d’œuvres originales.

De la publicité ancienne à l’art contemporain

ColaCao — Souvenirs d’une Icône Espagnole, 2026. Œuvre originale en techniques mixtes sur panneau de bois, 80 × 60 × 4 cm.

Mon intention n’est pas de reproduire fidèlement d’anciennes publicités.

J’imagine plutôt comment ces enseignes commerciales, autrefois si colorées, auraient évolué si elles étaient restées exposées pendant des décennies au soleil, à la pluie, à la pollution et au passage du temps.

J’ai toujours été fasciné par les surfaces détériorées, les peintures qui s’écaillent, les métaux rouillés, les murs patinés et les lettres effacées qui disparaissent sous les couches successives de l’histoire.

Dans mes peintures, ces éléments représentent bien davantage que la dégradation. Ils représentent la mémoire.

À travers la peinture acrylique, le collage, les transferts d’images, les textures sculpturales et les effets d’oxydation, je construis des surfaces qui semblent avoir vécu une autre vie avant de devenir des œuvres d’art.

Certaines rappellent les anciennes plaques publicitaires émaillées. D’autres évoquent des devantures oubliées, des murs industriels, des panneaux publicitaires vintage ou des fragments d’enseignes découverts lors de la rénovation d’un vieux bâtiment.

C’est ma manière de réunir deux univers qui m’ont toujours fasciné : la précision du design graphique et la beauté imprévisible des matériaux vieillis.

ColaCao : une icône de la publicité espagnole née à Barcelone

L’œuvre consacrée à ColaCao possède pour moi une signification particulière.

Créée à Barcelone en 1945, ColaCao est devenue l’une des marques les plus emblématiques des foyers espagnols, accompagnant plusieurs générations dans leur enfance et leur quotidien.

Son identité visuelle et ses campagnes publicitaires occupent une place importante dans la culture populaire espagnole.

Pour cette œuvre, j’ai choisi une interprétation de son célèbre lettrage rouge sur un fond chaleureux mêlant orange, jaune et tonalités terreuses, inspiré des anciennes enseignes commerciales.

Je voulais retrouver la sensation de découvrir un panneau publicitaire qui aurait survécu à plusieurs décennies d’exposition aux éléments.

Les couleurs semblent usées, les contours portent les traces de la corrosion et la richesse des textures transforme une image commerciale familière en une surface presque archéologique.

Mais je souhaitais également y introduire une référence à ma propre ville.

Dans la partie inférieure de la composition, j’ai intégré trois interprétations sculpturales du panot de flor de Barcelone, le célèbre carreau de pavement orné d’un motif floral.

Ces éléments architecturaux, réalisés avec des textures en relief, des tonalités métalliques sombres et des effets de rouille, établissent un lien entre les origines barcelonaises de ColaCao et l’identité de la ville.

Pour moi, c’est comme réunir deux fragments de l’histoire quotidienne de Barcelone dans une seule œuvre.

Coca-Cola et Pepsi : la puissance des icônes publicitaires américaines

Peu de marques ont réussi à transformer leur identité visuelle en symbole culturel universel aussi efficacement que Coca-Cola et Pepsi.

Leurs couleurs, leurs typographies et leurs campagnes publicitaires ont marqué plusieurs générations à travers le monde.

Le célèbre lettrage rouge et blanc de Coca-Cola, tout comme l’identité bleue et rouge de Pepsi et ses évolutions historiques, offrent des possibilités artistiques fascinantes.

Ce qui m’intéresse particulièrement, c’est le contraste entre un graphisme immédiatement reconnaissable et une surface qui semble abîmée, fragmentée et vieillie.

Un logo conçu à l’origine pour être impeccable, lumineux et commercialement séduisant peut acquérir une personnalité totalement différente lorsqu’il est entouré de corrosion, de textures industrielles et de couches de peinture altérées.

L’image reste familière, mais sa signification change.

Elle ne relève plus simplement de la publicité.

Elle devient le souvenir visuel d’une autre époque.

Chupa Chups : quand le design commercial rencontre les beaux-arts

Chupa Chups est une autre marque particulièrement fascinante en raison de son lien direct avec le monde artistique.

Créée en Espagne par Enric Bernat en 1958, son identité visuelle a pris une dimension artistique exceptionnelle lorsque Salvador Dalí a redessiné son célèbre logo en 1969.

Je trouve passionnant qu’un symbole commercial aussi familier possède un lien aussi fort avec l’histoire de l’art.

Son jaune éclatant, son lettrage rouge et sa forme florale caractéristique dégagent une énergie visuelle extraordinaire.

Dans mon interprétation, ces éléments graphiques joyeux peuvent coexister avec des surfaces patinées, des textures sculpturales et des fragments de collage.

Le contraste entre la simplicité lumineuse du graphisme original et l’apparence d’un objet ancien, presque oublié, crée une expérience visuelle entièrement nouvelle.

Levi’s, Tiffany & Co. et le langage des marques emblématiques

Toutes les marques n’évoquent pas les mêmes émotions.

Levi’s représente la culture américaine, le denim, la jeunesse, la rébellion et la liberté.

Tiffany & Co., à l’inverse, évoque l’élégance, la haute joaillerie, le raffinement et le luxe.

Leurs identités visuelles sont très différentes, mais toutes deux sont immédiatement reconnaissables.

Avec Levi’s, je suis attiré par la possibilité d’associer sa forte identité graphique à des surfaces industrielles, des couleurs expressives et des textures rugueuses qui rappellent l’histoire des vêtements de travail et des matériaux traditionnels.

Tiffany & Co. invite à une approche différente.

Son bleu incomparable permet d’imaginer des compositions plus minimalistes, où le raffinement de la couleur contraste avec les imperfections d’une surface vieillie et patinée.

Mon ancienne carrière dans la haute joaillerie et la gemmologie influence également ma manière d’aborder ces symboles.

Pendant de nombreuses années, j’ai travaillé entouré d’objets précieux, de matériaux soigneusement sélectionnés et de codes visuels extrêmement précis.

Aujourd’hui, j’aime créer un dialogue entre cette recherche de perfection et la beauté de l’imperfection.

Kodak, Rolex, Nike et d’autres souvenirs visuels

La collection explore également d’autres marques qui ont façonné notre culture visuelle.

Kodak évoque la photographie argentique, les souvenirs de famille et une époque où chaque photographie possédait une valeur émotionnelle différente.

Rolex représente la précision, le savoir-faire et le passage du temps — des concepts particulièrement intéressants lorsqu’ils sont associés à des surfaces patinées et corrodées.

Nike a développé une identité graphique si puissante qu’un simple symbole suffit à transmettre le mouvement et l’énergie, sans avoir besoin de mots.

Je m’intéresse également à des marques comme Fanta, Texaco, Campbell’s et à d’autres références historiques issues de l’alimentation, de la mode, du voyage et de l’industrie.

Chaque marque représente un défi artistique différent.

Mon objectif n’est pas que toutes les peintures se ressemblent, mais de trouver une composition, une palette de couleurs et un traitement des matériaux qui reflètent le caractère unique de chaque icône.

La rouille, les textures sculpturales et la philosophie wabi-sabi

Même si ces célèbres logos occupent une place centrale dans la composition, mon langage artistique reste profondément lié à la matérialité.

Les superpositions, les craquelures, les surfaces patinées, les peintures altérées et les effets d’oxydation continuent de jouer un rôle essentiel dans mon travail.

Je m’inspire de la philosophie japonaise du wabi-sabi, qui célèbre la simplicité, l’imperfection et la beauté créée par le passage du temps.

Une enseigne publicitaire neuve peut être visuellement parfaite.

Mais une enseigne ancienne, marquée par des décennies d’exposition, peut raconter une histoire bien plus intéressante.

Ses couleurs ont changé, certaines lettres ont disparu et ses contours révèlent les traces de différentes époques.

C’est cette transformation que j’essaie de capturer dans mes peintures.

Je ne cherche pas à créer des objets artificiellement parfaits.

Je veux que mes surfaces possèdent de la profondeur, du caractère et une histoire qui leur soit propre.

Barcelone comme partie intégrante de mon langage artistique

Depuis mon installation à Barcelone, l’architecture et les rues de la ville sont devenues une source constante d’inspiration.

Le quartier du Born, ses façades historiques, ses anciens ateliers, ses rideaux métalliques, ses murs patinés et ses pavements caractéristiques font tous partie de mon univers visuel.

Le panot de flor de Barcelone apparaît dans plusieurs de mes œuvres comme une sorte de signature architecturale.

J’aime l’associer à des éléments provenant d’autres villes et d’autres cultures, car cela crée un lien entre le local et l’universel.

Une marque américaine peut ainsi cohabiter avec des textures inspirées d’un mur de Barcelone.

Un logo publicitaire espagnol peut apparaître sur une surface évoquant une ancienne enseigne industrielle.

Chaque composition crée son propre dialogue entre les lieux, les époques et les souvenirs.

Au-delà de l’art contemporain : une collection pour les amateurs de publicités anciennes

Cette nouvelle série établit également un lien avec l’univers des collectionneurs.

Les affiches publicitaires anciennes, les plaques émaillées vintage, les enseignes commerciales, les emballages historiques et les objets promotionnels font partie de notre patrimoine visuel collectif.

Beaucoup sont devenus des pièces recherchées par les collectionneurs de publicités anciennes, de design graphique, de marques historiques et d’objets publicitaires.

Mes peintures ne cherchent pas à remplacer ces objets historiques ni à se présenter comme d’authentiques enseignes anciennes.

Ce sont des œuvres d’art contemporaines originales, créées individuellement sur des panneaux de bois et réalisées grâce à des techniques mixtes et des superpositions de matières.

Chaque surface possède ses propres marques, textures, couleurs et variations.

J’aime imaginer que ces peintures puissent séduire non seulement les collectionneurs d’art contemporain, mais aussi les passionnés de publicité vintage, de marques emblématiques, de design rétro et d’objets industriels.

Parfois, une image familière peut éveiller des émotions aussi puissantes que celles provoquées par une peinture abstraite.

Peindre ce qui reste

Nous vivons entourés d’images qui apparaissent et disparaissent à une vitesse extraordinaire.

La publicité change constamment. Les marques modernisent leurs logos, les commerces ferment et les villes transforment leurs paysages.

Pourtant, certaines images restent gravées dans notre mémoire.

Cette collection est née de cette réflexion.

Que se passe-t-il lorsqu’une image commerciale cesse de vouloir nous vendre quelque chose et commence à nous rappeler quelque chose ?

Que reste-t-il d’un logo lorsqu’on le sépare de sa fonction publicitaire d’origine ?

Pour moi, il reste la couleur, la forme, l’histoire et, surtout, l’émotion.

C’est l’essence même de ce projet.

Transformer les images emblématiques de la publicité en fragments de mémoire, où le design graphique, l’art urbain et les traces du temps se rencontrent.

Parce que même les objets les plus ordinaires et les images les plus familières peuvent devenir une partie de notre histoire personnelle.

« I paint the memory of materials. »

Sergio Aranda

Artiste contemporain — Barcelone, 2026

Cette série réunit des œuvres originales indépendantes inspirées de l’histoire visuelle de marques emblématiques. Ces créations ne sont pas des produits officiels et n’impliquent aucune approbation, collaboration, licence ou affiliation avec les entreprises représentées.